Danielle Bonnet, conocida como Dani B, es una artista radicada en Los Ángeles que trabaja con neones. Para este proyecto, ha creado un neón de alrededor de 120 cm x 120 cm de un águila, que simboliza su concepción del dinero, el poder y la libertad en Estados Unidos. Nacida En Las Vegas (Nevada), Dani Se Introdujo En Este Mundo A Través De Sus Abuelos, Que Tenían Una Tienda De Reparación De Neones, Y Ahora Está Haciendo Evolucionar La Artesanía Familiar Mediante Su Propia Visión Creativa.
Christopher Martin es un artista multidisciplinar que explora la diáspora afroamericana a través de su obra artística. Chris diseña tatuajes, ilustraciones y estandartes cosidos a mano, que tienen en común imágenes audaces que narran su relato de la cultura afroamericana y la historia de Estados Unidos. Para este proyecto, ha creado un corto basado en los temas y la iconografía principales que hay detrás de su arte.
Una estética artesanal, una vistosa paleta de colores inspirada en los ochenta y unas colecciones de estilo propio definen el trabajo de Annabell Lee, artista afincada en Los Ángeles. Para este proyecto, ha creado una colección de almohadas cosidas y pintadas a mano. Dentro del mundo de la moda artesanal, Annabell se centra en crear prendas pintadas a mano y cuadros utilizando tinte, y con frecuencia fluctúa entre los roles de pintora, diseñadora y fotógrafa.
Anthony Acosta es un fotógrafo de skate profesional de Los Ángeles (California). Sus trabajos se han publicado en revistas de todo el mundo y durante 13 años ha formado parte del equipo de Vans. Para este proyecto, ha trabajado con un grupo de amigos para construir un cuarto oscuro funcional para poder procesar y revelar fotos en casa.
Karla Almendra es una artista que vive en Guadalajara (México), y trabaja con fibras y tintes naturales. Para este proyecto, ha utilizado una gran variedad de plantas, de las que extrae sus colores y pigmentos para crear una colección de estandartes de lona, ropa y calzado teñidos de forma natural.
Eloise Dörr es una skater y artista afincada en Londres. Para este proyecto, ha creado un tríptico con tablas de skate pintadas a mano. Sus obras suelen representar a personajes practicando skate, a veces en tamaño grande, otras pequeño, y otras intermedio. Los lleva a vivir aventuras llenas de curiosidad y pasión por viajar, tanto en solitario como en compañía.
Alex Jenkins es un ilustrador y dibujante del sur de Londres. La obra de Alex frecuentemente explora temas satíricos y críticos a través de un estilo distintivo y vívido. Trata de huir de la pretensión y limitarse a recrearse en el humor, rozando lo absurdo y lo surrealista. Para este proyecto, ha convertido a uno de sus personajes en una estatua de fibra de vidrio de casi dos metros de altura.
Start From Zero comenzó como un grupo de artistas callejeros de Hong Kong y, desde entonces, se ha convertido en un colectivo artístico de moda urbana y carpintería. Además de ropa urbana y artículos para el hogar, crean piezas de madera artesanales para la señalización de tiendas y la comunidad creativa en general. Para este proyecto, han creado un taburete con diseño estampado.
Rewina Beshue es una ilustradora, diseñadora gráfica y artista digital que reside en San Francisco (California). Empezó a aprender diseño gráfico por su cuenta en el instituto, y más adelante estudió diseño y comunicación visual en la Universidad Estatal de San Francisco. Sus obras exploran los conceptos de la memoria y el tiempo, y sus dibujos geométricos hacen referencia a teorías sobre una cuarta dimensión.
Chris Johanson es un artista que actualmente vive a caballo entre Portland y Los Ángeles. La obra de Johanson se mueve entre las técnicas de figuración y abstracción, ya que considera que estos dos métodos son expresiones interconectadas de fuertes creencias en el ambientalismo, la compasión y la coexistencia pacífica. Para este proyecto, he colaborado con los estudiantes del KSMOCA (King School Museum of Contemporary Art) de Portland (Oregón), para crear una colección de esculturas de cemento inspiradas en sus dibujos.
Erma Fiend es una empresa de animación multimedia que incorpora el trabajo del artista del GIF Lee Friend Roberts. Para este proyecto, han creado un autorretrato animado en bucle
Lalese Stamps es una ceramista y diseñadora gráfica que vive actualmente en Columbus (Ohio). Su reciente colección «100 Mugs in 100 Days» es una muestra de la diversidad de sus diseños. Es la fundadora de Lolly Lolly Ceramics y, para este proyecto, ha creado un jarrón de cerámica oversize.
Gaudmother es un estudio experimental autodidacta situado en el Oeste de Filadelfia dirigido por Brit Rodriguez. A través de Gaudmother, Brit espera dar ejemplo y animar a todo aquel que esté interesado a crear lo que quiera con los recursos que tenga, lo antes posible. El arte es como una medicina, y estamos quedándonos sin tiempo para sanar. Para este proyecto, ha creado una alfombra artesanal.
Hyunjun Koo es un skater y artista de Seúl (Corea). Fácilmente identificable por su actitud colorida y expresiva tanto hacia el arte como hacia el skate, Hyunjun suele encontrarse en los parques de skate locales, a menudo haciendo complicados trucos que se hicieron famosos en los 80. Su pasión por el punk y el heavy metal, y la cultura antisistema en su conjunto, es una fuerza motriz tanto en su arte como en el skate. Para este proyecto, Hyunjun ha creado una obra de arte única hecha con cinta de agarre.
Su Wukou es un diseñador de moda residente en Cantón, en China. Su, con un pasado como arquitecto y diseñador urbano, es famoso por el enfoque calculado y detallista que adopta en su trabajo en el mundo de la moda. Para este proyecto, Su ha creado un fanzine que refleja y documenta la historia de la confección de su reciente colección con Vans, «Year of the Ox» (El año del buey), y la de sus colaboradores.
A finales de 2019, justo antes de que los espectáculos y las actuaciones se suspendieran, a nivel mundial, a causa de la COVID-19, invitamos a todos a la House of Vans London para que sacaran su creatividad a relucir y nos ayudaran a crear un vídeo musical para JPEGMAFIA. Más de 500 personas, con sus 500 perspectivas distintas, contribuyeron con su granito de arena para crear algo mucho más grande. Combinamos las cientos de horas de contenido captado, las imágenes del público y el metraje recopilado y creamos un vídeo musical que muestra tanto al público como l evento en sí con total fluidez. En este vídeo cobra vida nuestra creencia de que todo el mundo tiene un lado creativo esperando a ser descubierto.
Kelly Breez es una artista multimedia afincada en Miami, en Florida, cuyo trabajo incluye ilustración, escultura, capitoné (un diseño textil/de hilo), carpintería, pintura y obras en 3D creadas con técnicas mixtas. La artista examina las vidas, historias e influencias que se esconden tras esos secretos y personajes que convierten al sur de Florida en el especial páramo tropical que es. Glorifica el lado menos glamuroso de la vida y le rinde un sentido homenaje artístico. Para este proyecto, ha creado una pieza de capitoné a gran escala y hecha a mano, empleando hilo acrílico y de lana.
Franco Rivas, conocido como Pepe, es un surfero de 28 años de Mar del Plata, en Argentina. Junto a su socio, dirige una productora de vídeo y un colectivo artístico llamado Amantes del Fin de Tarde (AFT), centrado en el surf, las artes plásticas, la música, el yoga y el turismo sostenible. Para este proyecto, decidió crear la obra «Reclaimed Surfboard», una tabla de surf reciclada fabricada con los desechos que se producen durante el proceso inicial de modelado de las tablas de surf.
Beatrice Domond, Justin Henry, Cher Strauberry y Corey Glick tienen, al menos, dos cosas en común: su amor por el skate y su pasión por la creación de fanzines. Todos ellos viven y residen en EE. UU. y forman parte del equipo de skate de Vans. Sin embargo, cada uno de ellos tiene su propia estética y su estilo, así que, para este proyecto, trabajaron de forma individual en su propio fanzine de skate, que después unieron al de los demás para crear un pack de edición limitada con los cuatro fanzines.
Helena Garza es una artista visual que vive y trabaja en Ciudad de México, en México. Empezó su carrera artística en el mundo de la música clásica, la pintura y la fotografía analógica, justo antes de empezar a trabajar con diferentes medios, como los murales, el diseño gráfico, la animación y la realidad virtual (RV). Su proyecto más reciente se llama «RAUDO». * En Raudo crea experiencias inmersivas generadas mediante la exploración acústica e instalaciones de RV con el músico Bernardo Pérez.
Tuck Wai, conocido como Mister Tucks, es un artista residente en Singapur y fundador de Temple of Skate. Temple of Skate es un lugar que le permite expresar su creatividad a través de ilustraciones y compartirla con el mundo en forma de impresiones, ropa, fanzines y otros muchos formatos. Para este proyecto, ha creado una impresión xilográfica.
Muzi, también conocido como «el Skywalker zulú», es uno de los músicos actuales más aclamados y populares de Sudáfrica. El orgulloso artista zulú procede de una de las zonas reservadas a gente de raza negra de Empangeni, una localidad situada a unos 140 km al norte de Durban. Sus raíces desempeñan un papel fundamental en la música que compone, y mezcla de forma experta la influencia de la música urbana y electrónica más vanguardista con géneros locales como el Maskandi, Kwaito, Iscathamiya y el pegadizo pop de los años 80 y 90.
Zhao Hao Sen, también conocido como Candy, es un ilustrador y animador profesional, así como el dueño de CANDYMADE, de Chengdu, en la provincia de Sichuan. Es el creador de todos los aspectos de sus animaciones, desde el concepto inicial hasta la animación final, pasando por las voces de los personajes. Su sentido del humor y sus personajes únicos pueblan un colorista mundo dentro de su peculiar universo.
Jennifer Williams (nacida en 1982) es una artista autodidacta nacida y criada en Filadelfia. Las bandas de rock y punk fantásticos son un tema importante en sus obras, en las que muestra un especial interés por un grupo que ella misma ha creado llamado «The Raven Call». Las obras de Jennifer son, al mismo tiempo, una forma de documentación directa del mundo y de las cosas que le gustan, así como de lo que se le pasa por la imaginación. Jennifer es también una exmiembro de la banda Wonder Abyss y miembro actual de «The Soapbox: Community Print Shop & Zine Library», en Filadelfia.
Wavy es un diseñador de ropa y artista visual de Corea. Es el fundador de Padotagi, una marca de ropa en la que las gruesas camisetas gráficas de los años 90 tienen una gran influencia. Wavy trabaja con celebridades locales para crear auténticos diseños exclusivos. Para este proyecto, Wavy empleó una emblemática fotografía de Steve Caballero combinada con la estética oriental para crear una camiseta «Cab» original.
Desde que empezara con «Controller», su primer álbum, en 2018, Channel Tres ha fusionado la fuerza del tecno de Detroit con los sedosos ritmos del house de Chicago y todo el rollo del rap de la costa oeste estadounidense. Su música está ya en todas partes, aunque a muchos DJ de la escena dance les hubiera gustado que siguiera siendo su pequeño secreto. En los últimos dos años, Channel ha estado de gira por todo el mundo, agotado las localidades de estadios enteros y conseguido un nutrido grupo de fans que incluye a Elthon John o Tyler the Creator. Para Channel, la música consiste en reconectar con su propia historia, ya sea con las letras o con las influencias y la historia musical en que basa sus producciones. Para este proyecto, Channel ha creado un poema hablado.
Peter Sutherland, afincado en Salida, en Colorado, es un fotógrafo y artista que emplea medios y técnicas mixtas para sus creaciones. Para este proyecto, ha creado una película rodada en primera persona en la que documenta y explora muchas facetas de la toma de sus fotografías.
Lei-Mai LeMaow es una artista y diseñadora de Liverpool que vive en Mánchester y pinta por todo el mundo. Con raíces artísticas que proceden del grafiti, disciplina con la que cultivó su amor natural por la caligrafía y la pintura de murales, su amor por la ilustración y un largo historial de trabajo con ropa y calzado, su trabajo es una mezcla audaz de medios, técnicas y estilos modernos.
Denzel Curry es un rapero, escritor y artista de cómic de Carol City, en Florida. Actualmente, reside en Los Ángeles, en California. Para este proyecto, ha creado un póster con un diseño de «Hail Trials», su último cómic, así como su colaboración para la colección personalizada Customs del diseño de las Old Skool™.
Orion Sun es una artista visual, multinstrumentalista y compositora de Filadelfia, en Pensilvania. Después de que su familia perdiera su hogar en 2015, vivió en un hotel durante casi un año, hasta que consiguió establecerse por su cuenta. Parte de ese tiempo lo pasó refugiándose en casas de amigos y creando música. Philly Sound Exchange aúna a jóvenes de diversas culturas para crear proyectos colaborativos de composición y grabación musical centrados en la justicia social. El objetivo es servir de altavoz para las voces de los estudiantes en sus conversaciones sobre la raza, la igualdad y la justicia social, proporcionando plataformas para que la juventud, procedente de distintos entornos, colabore a través del arte. Para este proyecto, como mentora y directora de taller, Orion Sun ayudó a dos miembros de Philly Sound Exchange a crear «Act 1 of Flowers», un álbum visual en el que han colaborado más de 30 estudiantes durante la pandemia.
Chloé Bernard es una tatuadora, diseñadora gráfica, skater y pintora de Marsella, Francia. Estudió en la Academia de arte de Marsella durante cuatro años antes de que la invitaran amablemente a marcharse. Posteriormente creó un colectivo artístico con dos de sus amigas, con las que hicieron exposiciones de pintura y de skate durante cinco años. Chloé patina desde que tenía 15 años, y ha viajado por todo el mundo. Con experiencia como organizadora y juez, Chloé actualmente trabaja como profesora de skate para niñas. Para este proyecto, Chloé pintó un mural tridimensional a gran escala en un antiguo puente peatonal abandonado.
¿CUÁNTO DURÓ EL PROCESO DE CREACIÓN DEL MURAL, DESDE LA IDEA INICIAL HASTA SU FINALIZACIÓN?
Chloe Bernard:Pintar el mural me tomó exactamente diez días. Pero su conceptualización, encontrar el sitio perfecto para pintarlo, etc., todo el proceso me llevó un mes.
¿DÓNDE ESTÁ EL MURAL? ¿PUEDE LA GENTE IR A VERLO?
Chloe Bernard:El mural está en un antiguo puente peatonal, en el medio de un páramo llamado «La Friche» en Marsella. Está cerrado, se necesita una llave para entrar, así que técnicamente no se puede ver.
¿ES LA PRIMERA VEZ QUE HAS PINTADO ALGO TAN GRANDE?
Chloe Bernard:Estoy acostumbrada a pintar grandes superficies, como parques de skate, murales… Pero definitivamente esta es una de las más grandes, sobre todo porque es en tres dimensiones. Suelo, paredes y techo.
¿HAY ALGÚN ASPECTO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE EMOCIONE PARTICULARMENTE?
Chloe Bernard:Meow Wolf.
¿HAY ALGÚN MENSAJE O SENTIMIENTO QUE TE GUSTARÍA TRANSMITIR CON TU ARTE A LAS PERSONAS?
Chloe Bernard:Me encanta proyectar mi mente en espacios fantásticos, y puede que intente hacerlo yo misma a través de mis creaciones. Intento que estos paisajes surrealistas se conviertan en realidad. Con el mural tridimensional, tienes la sensación de formar parte de la locura, porque de hecho estás en el centro de la pintura.
¿TIENES ALGÚN OTRO PROYECTO ENTRE MANOS QUE TE ENTUSIASME?
Chloe Bernard:Siempre tengo, y es necesario que todos tengamos, proyectos, ideas y fantasía en la vida. Ganas de lo que vendrá y de ver más allá. Actualmente trabajo como tatuadora y estoy preparando una exposición de cuadros con lienzos grandes. En teoría tenía que hacerse hace un año, pero no ha sido posible a causa de la COVID. ¡Pero espero poder hacerla pronto!
La pasión por la aventura parece correr por las venas de Norma. Norma es skater, ciclista de montaña, fotógrafa, jardinera y profesional del marketing en las redes sociales; ¡todo en uno! Original de México, se mudó a Canadá en 2009 y se enamoró de la Columbia Británica. Su trayectoria llena de diversión la llevó a revivir su deseo por practicar el skate. Encontró su comunidad de skate en East Vancouver, donde se trasladó en 2015. Desde entonces, Norma se ha hecho un nombre en los medios de comunicación relacionados con el skate. Se ha comprometido a documentar a skaters y a comunidades menos conocidas de todo el mundo. Para este proyecto, Norma creó un fotolibro centrado en el movimiento del skate en México.
¿CÓMO HA CAMBIADO EL PANORAMA DEL SKATE EN MÉXICO DESDE QUE VIVÍAS ALLÍ?
Norma Ibarra: En los últimos años, el número de skaters ha aumentado considerablemente; ahora hay montones de cuadrillas, grupos comunitarios y personas inspiradoras que hacen un trabajo increíble. Me encanta cómo se está uniendo la comunidad y cómo crea sus propios eventos y su propia realidad, a pesar de la situación y los problemas existentes en México. Me siento una privilegiada de poder experimentarlo y formar parte de ello, así como de poder capturar parte de la historia actual del skate en México. Cuando era joven, no me imaginaba en el mundo del skate. Ahora, si vas a un parque de skate en las grandes ciudades de México, hay tanta gente que se parece a mí en este sentido que finalmente puedo sentirme identificada y sentirme parte de ello. ¡Es realmente inspirador!
¿HAY ALGUNA FOTO O SECCIÓN DEL LIBRO QUE TE GUSTE ESPECIALMENTE?
Norma Ibarra:Me encanta mi sección de Nayarit. Siempre había querido visitar esta zona; sus playas son preciosas y cuenta con sitios perfectos para hacer surf. El parque de skate Shore en la región de Nayarit, que se muestra en la parte final del libro, cuenta con una zona en forma de bol con increíbles parajes naturales.
¿HAY ALGUNA CÁMARA CON LA QUE TE GUSTE ESPECIALMENTE HACER FOTOS?
Norma Ibarra:Durante los últimos dos o tres años, he sentido la inspiración de mezclar las películas con la fotografía digital. Cuando estoy fuera de casa, siempre llevo mis dos cámaras, la digital y la de filmar. Últimamente me encanta experimentar con cámaras antiguas que encuentro en línea o en tiendas de segunda mano. También me entusiasme la idea de filmar y editar vídeos de mis amigos mientras practican el skate; es algo nuevo que me gustaría probar este año.
¿HAY ALGÚN ASPECTO DE LA CULTURA DEL SKATE ACTUAL QUE TE EMOCIONE PARTICULARMENTE?
Norma Ibarra:Estoy muy contenta con la evolución del skate y de ver que muchos miembros de nuestras comunidades trabajan para que este deporte sea más seguro, equitativo y diverso. Estoy impaciente por ver la progresión del movimiento y me gusta saber que los jóvenes tienen referentes en los que apoyarse. También estoy muy contenta de ver que mis amigos reciben apoyo de las marcas, se vuelven expertos, fundan marcas nuevas y crean vídeos o eventos. Me encanta ver cómo brillan. Tengo muchas ganas de que las futuras generaciones disfruten de un panorama más inclusivo y de que tengan modelos a seguir cuando empiecen a practicar el skate.
¿TIENES ALGÚN OTRO PROYECTO FOTOGRÁFICO PLANEADO?
Norma Ibarra:¡Sí! Estoy trabajando en diversas colaboraciones con otros artistas. También sigo fotografiando y filmando a mi comunidad del Canadá, a mis amigos y a colectivos; por lo que espero poder tener material de calidad para finales de año. Este año también quiero hacer más vídeos y combinar proyectos de medios de comunicación.
Quispiam Habilis es un estudio de arte y diseño de Corea. La atención al detalle y el amor por la artesanía hacen que sus creaciones extravagantes e imaginativas sean muy apreciadas. Los miembros del estudio utilizan diversos conjuntos de habilidades, lo que les permite dar vida virtual a cualquier idea que se les ocurra. Para este proyecto, han creado un tocadiscos de cerámica que podría irradiar música hacia el espacio exterior con la esperanza de comunicarse con la vida extraterrestre.
¿DE DÓNDE SALIÓ LA IDEA DE HACER ESTE TOCADISCOS?
Todos nuestros miembros tienen un gran interés en la música, así como en el mundo de la artesanía. Teníamos interés en los tocadiscos, así que decidimos hacer uno utilizando nuestras habilidades. Pensamos que estaría bien que el equipo no solo reprodujera música, sino que también fuera un dispositivo de comunicación para establecer contacto con cualquiera persona del mundo.
¿DE DÓNDE VINO EL NOMBRE DE «QUISPIAM HABILIS» Y QUÉ SIGNIFICA?
«Quispiam Habilis» es una expresión en latín que significa «gente que hace cosas con las manos» o «cosas hechas con las manos». Este es el nombre que expresa nuestro amor por la artesanía, que consideramos lo más importante.
¿CUÁNTAS PERSONAS TRABAJARON EN EL TOCADISCOS Y CÓMO SE LLAMAN?
Nuestro equipo tiene cinco miembros: Seung Heon Yoo (director, artesanía de la cerámica), Joo Ho Lee (artesanía de metal), Young Gyun Kim (impresión en 3D), Chang Hee Seok (diseño gráfico), and Jae Hwan Hwang (animación, modelado 3D). Además, «DJ Redef» es el DJ en el vídeo.
¿CUÁNTO TARDASTEIS EN CREAR EL TOCADISCOS, DESDE LA IDEA INICIAL HASTA EL FIN DEL PROYECTO?
No me llevó demasiado tiempo pensar en la idea. Sin embargo, debido a la naturaleza del género artístico, nos llevó mucho tiempo llevar a cabo el proyecto. Particularmente nos llevó mucho tiempo coordinar el diseño del material para la operación y los dispositivos internos para montar el diseño, por lo que tardamos más de dos meses en construir el tocadiscos.
¿PUEDES DESCRIBIR EL PROCESO A GRANDES RASGOS? ¿HICISTEIS EL TOCADISCOS CON UNA IMPRESORA 3D?
Primero, diseñamos los dispositivos mecánicos para la operación. A continuación, basándonos en este diseño, seguimos añadiendo elementos en el proceso de diseño y producción de los marcos externos. Después de acabar con la parte de cerámica del marco principal, modificamos continuamente las partes de metal y las impresas en 3D según el tamaño de la estructura de cerámica. La esterilla antideslizante se diseñó de acuerdo con el concepto y la fabricamos con una pantalla de seda. El vídeo muestra cómo se envía una señal a una criatura extraterrestre con el equipo de comunicación ya construido; la señal estaba producida por DJ Redef.
¿DE DÓNDE SALEN VUESTRAS IDEAS A LA HORA DE HACER UN NUEVO PROYECTO?
Básicamente, nuestra inspiración natural son las cosas que más nos interesan. Mientras tanto, revisamos nuestras anteriores creaciones y las modernizamos en función de sus sensibilidades presentes. O imaginamos imágenes que podrían pertenecer al futuro. Los aspectos más importantes de trabajar en una nueva tarea son la exploración de proyectos de más antiguos a más recientes y la preocupación por los proyectos artesanales futuros.
¿TENÉIS PLANES PARA MOSTRAR A LA GENTE CÓMO SUENA VUESTRO TOCADISCOS?
Sí, y si es posible también queremos enseñarles el acto de comunicarse con un extraterrestre usando el tocadiscos. Puede ser peligroso…
¿DE MOMENTO OS HA CONTESTADO ALGÚN EXTRATERRESTRE?
No te lo podemos contar al detalle porque es confidencial. Solo te podemos decir que tenemos una buena relación con ellos. Ja, ja, ja.
Noah Humes es un artista multimedia afincado en Los Ángeles. Se licenció en Bellas artes con una especialización en ilustración en el Otis College of Art and Design en 2017. Su arte manifiesta sus ideas e interpretaciones de los problemas políticos y sociales que ocurren en el mundo que le rodea. Además, a través de sus creaciones explora y revisita la convergencia de la experiencia, la memoria, la historia y la expresión. Utiliza su experiencia y vivencias para alimentar su pasión: pintar personas y compartir momentos personales que recrea y diseña para que vivan dentro del lienzo. Para este proyecto, Noah pintó un retrato inspirado en las protestas del año pasado del movimiento Black Lives Matter.
¿CUÁNTO HACE QUE PINTAS Y QUÉ ES LO QUE TE ATRAE DE ELLO?
Cuando tenía unos cuatro años, pinté un jarrón con el que mis padres quedaron completamente asombrados por su nivel de ejecución. Empezaron a prestar mucha atención y a apoyar mi deseo de perfeccionar en esta pasión a la que yo me dedicaba siempre que podía. Un año más tarde, uno de mis profesores tuvo la misma reacción, así que empecé a tomar clases en el Centro de arte de Brentwood, con niños de entre 10 y 13 años. Después de graduarme en el instituto, fui al Otis College of Art and Design, donde me licencié en Comunicación Artística con una especialización en ilustración en 2017. Aparte, creé una fundación que me proporciona una base artística, donde me sumergía completamente en contenido real e imaginario que sigue vivo actualmente.
¿PUEDES CONTARNOS A GRANDES RASGOS LO QUE HAS CREADO PARA ESTE PROYECTO?
Quería hacer algo relacionado con lo que estaba experimentando en primera persona y a través de la pantalla en relación con cómo el 2020 estaba empezando a desplegarse con un alboroto necesario y con las protestas de Black Lives Matter.
TENIENDO EN CUENTA LOS ACONTECIMIENTOS Y EL AMBIENTE DEL AÑO PASADO, ¿HAS ESTADO PINTANDO MÁS QUE DE COSTUMBRE O MENOS?
Fue una mezcla entre tomarme algunos descansos para desconectar de lo que estaba pasando junto con el deber de lo que personalmente creía que era necesario hacer como artista: documentar el clima social actual a través de mi expresión.
¿HAS NOTADO CAMBIOS EN LA TEMÁTICA O EL ENFOQUE DE TU TRABAJO?
Ha seguido siendo el mismo; ahora tengo mucho más contenido que compartir. La luz nunca ha sido tan clara sobre nosotros ni sobre el tema.
¿HAY ALGÚN MENSAJE QUE TE GUSTARÍA TRANSMITIR CON TU TRABAJO A LAS PERSONAS?
Me encanta la posibilidad de formular tu propia interpretación como el mensaje primario, y la reevaluación como el secundario. Y este último es la comprensión de lo que el artista realmente quería decir con su trabajo. Estos dos primeros pasos también forman parte de ser un artista, con una conexión verdadera y honesta.
¿HAY ALGO ESPECÍFICO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE INSPIRE?
No hay nada muy específico, pero sí hay algunos artistas que producen trabajo con el que conecto y que enciende mi naturaleza creativa.
Triple B Records fue fundada por Sam Yarmuth, quien entonces tenía 17 años, en otoño de 2005. Desde entonces, la discográfica ha lanzado más de 150 discos para grupos de diferentes géneros musicales (punk, hardcore, metal e indie rock), como Mindforce, Candy, Fury, Terror y Bane, entre otros. Triple B actualmente funciona desde diversos apartamentos pequeños sin ventanas en Brooklyn, Boston y Aloma, Florida. Para este proyecto, Triple B ha creado un álbum recopilatorio de más de 40 grupos con temas nuevos y exclusivos.
EN UNA ESCALA DEL UNO AL DIEZ, ¿CÓMO DE DIFÍCIL FUE HACER ESTA RECOPILACIÓN DURANTE UNA PANDEMIA?
Sorprendentemente, no fue tan difícil como las anteriores recopilaciones de AHC. Creo que con la pandemia, todo el mundo tenía ganas de encontrar una especie de salida para su creatividad, así que Triple B les ofreció una oportunidad no solo de practicar como banda, sino de continuar componiendo.
¿CON QUÉ FRECUENCIA SE DESCONECTABA VUESTRO WIFI DURANTE EL PROCESO?
Un montón de veces, de verdad. Nuestra conexión a internet en Brooklyn es una basura, (Optimum, te odio). ¡Enviar y recibir archivos grandes a veces era una pesadilla!
¿ESTÁS A PUNTO PARA VOLVER A LAS ACTUACIONES EN DIRECTO Y LAS GIRAS?
Lo estoy deseando. Aunque la verdad es que he disfrutado de esta pausa. Ha sido la primera vez en más de diez años en la que he podido tener tiempo para mí y para probar cosas nuevas. Ha estado bien tener mucho tiempo libre, pero lo cierto es que echo mucho de menos las actuaciones y las giras y estoy impaciente por que vuelvan. Imagino que a principios del 2022, las cosas volverán a ir a todo gas.
¿TIENES ALGÚN CONSEJO PARA LOS GRUPOS EMERGENTES QUE QUIERAN GRABAR ALGUNAS CANCIONES?
Que sean ellos mismos. Escribid lo que queráis escribir y haced lo que queráis hacer. No os quedéis atrapados intentando hacer lo que creéis que os llevará más lejos. La autenticidad es el mejor recurso que una banda puede tener.
NO TIENES POR QUÉ DAR NOMBRES, PERO ¿HAY ALGUNA ANÉCDOTA SOBRE BANDAS DIFÍCILES INVOLUCRADAS EN ESTE PROYECTO?
Mi propia banda, Warfare, no pudo hacer ni una sola canción, ja, ja. Vivimos en costas opuestas, por lo que era muy difícil encontrar un momento para hacerlo. La verdad es que fue bastante fácil trabajar con todas las bandas. Tuvimos algunos problemas con nuestro artista Kyle Niland, pero eso se puede ver en el vídeo, ja, ja.
¿DÓNDE PODEMOS ENCONTRAR EL ÁLBUM Y CUÁNDO ESTARÁ DISPONIBLE?
El álbum estará disponible a través de nuestro sitio web directo (www.triple-brecords.com), Evil Greed en la UE y en la mayoría de tiendas distribuidoras y de música. Si hay alguna tienda de discos en tu zona que te gustaría que tuviera nuestros lanzamientos, envíanos su información de contacto.
Olivia Krause es una artista multimedia afincada en Oakland, California, que explora los momentos abstractos de la experiencia humana. Olivia utiliza la fotografía, la pintura, telas e instalaciones para inmortalizar sentimientos y momentos fugaces en un marco inmóvil. Sus obras cuentan una historia de experiencias acumuladas a través de documentos expresionistas y coloridos. Con la fotografía, Olivia espera capturar los mundos personales de sus sujetos. Con la pintura y las telas, Olivia trabaja con una gama de técnicas, como la pintura, la lejía y un aerógrafo para registrar y borrar emociones e imágenes. De esta manera, el tiempo y el cambio quedan reflejados en sus obras y demuestra así que nada es permanente. Para este proyecto, la artista pintó dos rampas de skate y, a continuación, donó la obra.
¿PUEDES HABLARNOS UN POCO SOBRE TI Y EL TIPO DE OBRAS ARTÍSTICAS QUE CREAS?
Me llamo Olivia Krause y soy una artista multimedia. Hago pintura abstracta y ropa única personalizada. También practico la fotografía y me encanta capturar retratos cautivadores. Encuentro mi inspiración en los fugaces e intensos momentos que nos proporciona la naturaleza, como los colores de las frutas maduras, las puestas de sol profundas, el sentimiento del amor y el movimiento del agua. Me gusta combinar estos momentos para crear composiciones abstractas e imágenes jugosas.
PARA ESTE PROYECTO, HAS PINTADO UNA SERIE DE RAMPAS DE SKATE. ¿ES LA PRIMERA VEZ QUE PINTAS UN OBJETO TRIDIMENSIONAL?
Es una de las primeras veces que he pintado sobre objetos tridimensionales, y ha resultado ser muy divertido a la vez que complejo. He hecho murales y pintado sobre trozos de madera, pero este proyecto ha sido una combinación de todas estas cosas.
¿TUVISTE ALGUNA DIFICULTAD PARA PINTAR A CAUSA DE LA FORMA DE LAS RAMPAS?
No tuve ningún problema importante aparte de mover las piezas de un lado a otro y girarlas; era difícil hacerlo sola porque eran grandes y pesadas. Estaba nerviosa por crearlas, pero acabó siendo algo muy divertido.
¿QUÉ TE HIZO QUERER PONER TU ARTE EN OBJETOS DONDE LA GENTE PRACTICA EL SKATE?
Me encanta el skate y lo practico a menudo con muchos amigos. Quería hacer algo que otra gente pudiera utilizar y disfrutar, así que cuando vi el anuncio de GoFundMe del proyecto Apache Passion Project, pensé que podría contribuir a la causa. Para mí, Vans como compañía siempre ha estado asociada al skate y quería explorar lo que podía hacer con ello. Suelo practicar el skate con mujeres, personas no binarias, trans y queer en la bahía de San Francisco, y quería hacer unas rampas que me parecieran más estéticas como miembro de esta comunidad. A veces creo que el arte y los gráficos que se utilizan en el skate y otros deportes se centran en atraer solo a hombres cisgénero heterosexuales.
¿SUELES EMPEZAR CON UN BOCETO O EMPIEZAS A PINTAR DIRECTAMENTE?
Suelo hacer bocetos y collages cuando pienso en ideas para mis obras. Uno imágenes e ideas que quiero combinar para hacer una pieza única. Dejo que el proceso de pintura me guíe para escoger las marcas y los colores que quiero. La mayor parte de la magia ocurre durante el proceso de creación de un cuadro.
¿HAY ALGÚN ASPECTO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE EMOCIONE PARTICULARMENTE?
Me emociona mucho ver las obras de arte que la gente ha creado durante la cuarentena y el año pasado. Creo que el aislamiento hace que profundicemos más en nosotros mismos y que exploremos nuevos caminos. Creo que el momento en el que podamos compartir nuestras creaciones introspectivas será muy bonito.
Daniel Barreto es un artista experimental de México que ha establecido un estilo único y reconocible con el uso de formas abstractas y colores llamativos. Sus obras reflejan un gran interés en la repetición y en cómo la luz incide sobre los objetos. Las obras de Barreto son versátiles y multidisciplinarias. Para este proyecto, creó una ilustración a gran escala, en la parte superior de la cual proyectó su propia animación.
¿CUÁNTO HACE QUE DIBUJAS? ¿CUÁNDO EMPEZASTE A PROYECTAR IMÁGENES EN TUS OBRAS?
Dibujo desde que era un niño, pero la ilustración profesional empezó en 2015. Empecé a hacer proyecciones de video mapping en 2014. La primera vez que hice una proyección de video mapping fue en un festival de arte en Guadalajara, México, y lo hice sobre las grandes hojas de una planta. La última fue hace dos años; era una proyección muy simple sobre una pintura acrílica. Para este proyecto, quise llevar las proyecciones a otro nivel. Como tenía el conocimiento previo acerca de cómo quedaría una proyección sobre un cuadro, sabía que esta obra sería un reto, pero a la vez me sentía confiado con todo mi material.
¿CUÁNTO TIEMPO SUELE LLEVARTE CADA PARTE DEL PROCESO? ¿PRIMERO LA ILUSTRACIÓN Y, MÁS TARDE, LA ANIMACIÓN?
Suele llevarme un mes o dos semanas de media, depende del tipo de animación que quiero hacer.
¿ES DIFÍCIL EL PROCESO DE NIVELACIÓN Y ALINEACIÓN DEL PROYECTOR? ¿CÓMO FUNCIONA?
Es complicado, o al menos lo es al principio. Tengo la sensación de que no voy a poder hacer coincidir la proyección con la superficie o la imagen, pero todo empieza a funcionar bastante bien al cabo de un par de minutos. Utilizo un programa de video mapping llamado Mad Mapper. Me encanta porque te permite deformar o dar forma a la imagen de la manera que imaginas, y es muy preciso.
ESTA OBRA PARECE MUY GRANDE. ¿ES EL TAMAÑO CON EL QUE SUELES TRABAJAR? ¿TE GUSTARÍA TRABAJAR EN OBRAS MÁS GRANDES?
He trabajado a gran escala antes, pero nunca con proyecciones. Sí, me gustaría trabajar en obras más grandes. Incluso proyectar en un gran mural o en cualquier otro formato.
¿HAY ALGO ESPECÍFICO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE INSPIRE PARTICULARMENTE?
Me inspira toda la cultura creativa actual, desde la música hasta las artes visuales. La parte buena de los avances tecnológicos es que todo el mundo puede ser músico o animador y producir todo desde casa sin necesidad de invertir en caros equipos, en horas de estudio, etc. Solo hace falta que dediques unas horas a estudiar las cosas y a aprender de tus propias experiencias. Me inspira mucho el arte generado por código, pero ahora no me voy a enrollar. Dicho esto, me gustan mucho las pantallas lenticulares de Michael Kozlowski y su arte generado por código.
Bailey Hikawa se licenció en Bellas Artes, especializándose en pintura y telas en el California College of the Arts en San Francisco, California. Su obra abarca pintura, escultura, dirección artística, diseño de escenarios teatrales, instalación inmersiva, escultura surrealista e interpretación experimental. Todas las experiencias contribuyen a la manera como piensa acerca de los objetos funcionales y los esculturales. A finales de 2019, mientras vivía y trabajaba en Los Ángeles, inauguró su estudio de diseño, Hikawa, con el lanzamiento de Kame, una línea de carcasas esculturales y ergonómicas para el iPhone. Para este proyecto, ha creado un conjunto de carcasas de teléfono inspiradas en el diseño checkerboard.
¿PUEDES HABLARNOS UN POCO SOBRE TUS ORÍGENES Y SOBRE CÓMO EMPEZASTE A HACER CARCASAS Y OTROS ACCESORIOS?
Estudié pintura en el California College of the Arts en San Francisco. Al finalizar los estudios, empecé a trabajar para un diseñador de escenarios teatrales, lo que me tenía totalmente alucinada. Esta experiencia me llevó a trabajar en películas, anuncios y televisión como directora de arte y haciendo accesorios. Pero siempre he mantenido un estudio de arte, un lugar donde pudiera ir y hacer lo que quisiera cuando me apeteciera. Allí fue donde hice mi primera carcasa escultural para teléfonos móviles, un objeto que se encuentra en la frontera entre el arte y la funcionalidad. Me di cuenta entonces de que cuando trabajé en películas y en televisión después de mis estudios, en realidad había estado buscando una salida creativa que impactara a la gente más allá de la sala blanca de una galería o un museo. Cuando descubrí las carcasas de teléfono, supe que había encontrado mi camino.
TODAS ESTAS CUENTAN CON UN GUIÑO AL ESTAMPADO CHECKERBOARD. ¿HAS UTILIZADO ESTE ESTAMPADO EN DISEÑOS ANTERIORES?
Mi primera exposición en solitario fue en 2012, consistía de una instalación inmersiva en la que las baldosas lucían un estampado a cuadros que acompañaba a los cuadros y las esculturas. Los estampados gráficos siempre han sido una herramienta en mi trabajo, ya sea un cuadro, un accesorio o una instalación. También tengo unos pantalones a cuadros que llevo mucho, y una taza a cuadros en la que me tomo el café cada mañana. Así que me hizo mucha ilusión tener una excusa para centrarme en un estampado a cuadros para Vans.
SEGÚN TU OPINIÓN ¿QUÉ ES LO QUE HACE QUE UN OBJETO SE CONSIDERE FUNCIONAL Y NO ESCULTURAL O VICEVERSA?
Me pregunto lo siguiente: ¿Puedo usarlo cada día? Si la respuesta es «sí», entonces es funcional. Si la respuesta es «no», es escultural. Pero lo que más me gusta es cuando la respuesta no es clara.
¿CUÁNTAS CARCASAS ÚNICAS CREES QUE HAS HECHO DESDE QUE EMPEZASTE?
¡Por lo menos unos pocos miles de ellas!
¿CUÁL ES LA CARCASA MÁS EXTRAVAGANTE QUE HAS HECHO HASTA AHORA?
Bueno… ¿No son todas un poco extravagantes? Creo que la carcasa más extravagante que he hecho es un bloque extremadamente pesado de mármol que esculpí para mi viejo iPhone 4. Lo veo como una «carcasa ataúd» para mi querido antiguo teléfono.
¿QUÉ ASPECTO TIENE LA CARCASA DE TU TELÉFONO PARA EL DÍA A DÍA?
¡Cambio la carcasa de mi teléfono constantemente! Me gusta llevar la carcasa que he diseñado en mi teléfono. De esta manera puedo probar el material, el color y la durabilidad. Veo mi teléfono como un objeto con el que investigar y desarrollar nuevos proyectos. Por ejemplo, esta última semana he llevado un prototipo de carcasa impresa en 3D para ver cómo aguanta el material para futuros diseños.
¿HAY ALGÚN ASPECTO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE EMOCIONE PARTICULARMENTE?
Me emociona que la cultura se dirija directamente hacia el artista. Lo que quiero decir es que tanto Internet como las redes sociales hacen posible que la gente encuentre artistas y creadores y que interactúe con su trabajo. Los artistas han necesitado un intermediario desde el principio de los tiempos, y finalmente ahora lo importante ya es solo la relación entre el artista y sus seguidores. ¿Te gusta la obra? Genial, ahora puedes decidir cómo quieres interactuar con ella.
Liz Hernández (nacida en 1993) es una artista mexicana afincada en Oakland, California, que trabaja principalmente con temas relacionados con su educación. Inspirada en el movimiento del realismo mágico en Latinoamérica, emplea imágenes de los recuerdos de su vida en Ciudad de México, adoptando simbolismo y elementos sobrenaturales para crear imágenes que abordan temas de la vida moderna. La obra de Hernández se centra en la pintura, la escultura y, recientemente, los murales. Ha expuesto su trabajo en el área de la Bahía de San Francisco, Los Ángeles y Ciudad de México.
¿PUEDES CONTARNOS A GRANDES RASGOS LO QUE HAS CREADO?
He pintado una chaqueta con símbolos de protección y de buena suerte. Mientras estaba trabajando en este proyecto, estaba planeando un gran mural para el SFMOMA (Museo de Arte Moderno de San Francisco). Después de todo lo que ha pasado desde principios de 2020, mi mente ya estaba centrada en ideas relacionadas con la curación y la protección. Me sentía un poco perdida y herida, y ansiaba sentirme segura, tranquila y esperanzada. Mientras buscaba amuletos y rituales, no dejaba de pensar en mi abuela, una mujer muy espiritual. Siempre lleva amuletos en el cuello y en la ropa, y fue una gran inspiración para mí a la hora de pintar la chaqueta. Me fascina que el hecho de llevar un símbolo pueda ser poderoso y nos ofrezca una sensación de seguridad. Gracias al mural, pude ver cómo estos símbolos y el texto se unían en una pared y a gran escala, lo cual fue impactante. Mi objetivo al pintar la chaqueta era acercar dichos símbolos a mi cuerpo, y me preguntaba cómo debe ser llevarlos y sentir el peso que cargan.
¿CUÁNDO EMPEZASTE CON LA ILUSTRACIÓN Y LA PINTURA? ¿QUÉ ES LO QUE TE GUSTA DE ELLO?
Siempre me gustó hacer arte, pero nunca me lo tomé en serio. Fui a la universidad y me licencié en Diseño industrial, y no fue hasta 2015 cuando mi novio de entonces (que ahora es mi marido) me empujó a probarlo. Solíamos quedar y dibujar sin ninguna intención real de que fuera algo serio, simplemente algo para disfrutar haciendo juntos. De repente, un año más tarde, recibimos una invitación para hacer una exposición de arte juntos en la galería Good Mother Gallery de Oakland, y a partir de entonces empecé a desarrollar una práctica artística. Aunque suene un tópico, hacer arte es muy terapéutico para mí; me permite procesar los pensamientos y las ideas a través de la creación. También me brinda la oportunidad de contar historias, que sorprendentemente encajan con personas de orígenes muy distintos. Eso es algo que no me hubiera imaginado nunca. Estoy muy agradecida de poder hacer arte; y aunque nunca nadie viera mis obras, seguiría haciéndolo, porque realmente me reconforta y me ayuda a navegar por el mundo.
¿HAS TRABAJADO SIEMPRE CON ROPA Y TELAS O SON MEDIOS NUEVOS PARA TI? ¿QUÉ ES LO QUE TE GUSTA DE ELLO?
Había trabajado con estos medios, ¡pero hace muchos años! Quería hacer algunos estampados textiles para pintar en mi ropa, así que me asocié con una tienda de moda en Berkeley que quería hacer una colaboración. Hicimos tres estampados distintos en vestidos y dieron muy buen resultado. ¡Estaban todos pintados a mano!
Esta vez fue distinto, porque enfoqué la obra de la chaqueta con una visión más conceptual que lo hacía más difícil. Quería ser más intencional con los símbolos y las palabras que iba a utilizar. Las imágenes en la chaqueta eran más detalladas que las de los vestidos que había hecho, y fue más difícil pintarlas. Me gusta que el arte se pueda llevar puesto y se pueda experimentar y que no esté limitado a una pared o un pedestal. Crear arte que se puede llevar puesto ofrece una manera más accesible de poseerlo, y eso es algo que me gustaría seguir explorando.
¿QUÉ TE INSPIRÓ DE LA ICONOGRAFÍA, LOS TALISMANES Y LOS AMULETOS PARA EMPEZAR A HACER ILUSTRACIONES CON ESTOS ELEMENTOS?
Siempre me han intrigado los rituales y la magia. En México, donde me crie, todas estas cosas no se consideran poco convencionales. Quizás estos elementos solo estaban más presentes en mi familia, pero creo que la conexión con los rituales es más fuerte en la cultura mexicana que en la estadounidense. Para mí es realmente inspirador que objetos e imágenes sencillos puedan convertirse en poderosos por el simple hecho de creer que lo son. También me inspiran los acontecimientos que están más allá de las explicaciones racionales. Me emocionan porque me recuerdan que los humanos no podemos controlarlo todo. Me hacen ser consciente de lo pequeños que somos en comparación con otras fuerzas mayores como la naturaleza, por ejemplo. A veces pensamos que lo sabemos todo, que hay una explicación lógica detrás de todo lo que pasa, pero cuando sucede algo inexplicable, nos damos cuenta de lo pequeños que somos.
ACTUALMENTE VIVES EN OAKLAND. ¿SIGUES YENDO A CIUDAD DE MÉXICO A MENUDO?
Solía ir más a menudo y quedarme una buena parte del año en casa de mis padres, pero ahora no lo hago tanto como me gustaría. No he podido ir a Ciudad de México desde hace más de un año a causa de la pandemia, pero estoy planeando ir tan pronto como pueda volver a viajar. Quiero pasar más tiempo con mi familia y en un lugar que sigue siendo muy importante para mí. Lo echo más de menos que nunca.
¿HAY ALGÚN ASPECTO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE EMOCIONE PARTICULARMENTE?
Me encanta que todo lo que estaba sucediendo en el mundo del arte se viera obligado a frenar. Durante muchos años, todo ha estado avanzando demasiado rápido, y ahora nos damos cuenta de que quizás no es tan bueno como pensábamos. Durante demasiado tiempo, se ha abusado del trabajo creativo y no se ha valorado lo suficiente. ¡Espero que podamos aprender de lo que estamos viviendo! Me gustaría creer que los artistas y personas creativas nos estamos volviendo más intencionales y nos movemos hacia una manera más sostenible de crear.
Yuri Murai es una skater y una cineasta centrada en el mundo del skate de Tokyo, Japón. Comenzó a practicar el skate hace 15 años y a filmar hace alrededor de 10. Yuri ha publicado películas relacionadas con el skate casi cada año, entre las que se incluyen «Restart» y la serie «Joy and Sorrow». Al percatarse de la omnipresencia del plexiglás utilizado en todas partes durante la pandemia de la COVID-19, decidió crear un vídeo de skate en el que el panel transparente se convierte tanto en un obstáculo para patinar como en un medio a través del que grabar.
¿CUÁNDO EMPEZASTE A HACER PELÍCULAS DE SKATE? ¿QUÉ ES LO QUE TE GUSTA TANTO DE ELLAS?
Empecé a grabar hace diez años, así que me encanta hacer vídeos molones. Sabemos que a veces es difícil hacer un vídeo de skate urbano, pero me gusta trabajar con amigos para encontrar los mejores sitios, seleccionar trucos y debatir durante horas. Lo que más me gusta es cuando acabamos de filmar y vemos la película con amigos mientras experimentamos la alegría, la tristeza y el placer que transmite.
¿CUÁNDO SE TE OCURRIÓ LA IDEA DE USAR UN TROZO DE PLEXIGLÁS?
En Japón vemos este objeto en muchas partes, se utiliza para protegerse de la COVID-19. Tenemos que llevar mascarillas y vivir con plexiglás. Me preocupa cuánto más tendremos que vivir con esto, así que pensé que podría darle un giro positivo a esta negatividad a través del skate gracias a la colaboración con Vans.
¿CREES QUE HA SIDO MÁS DIFÍCIL O MÁS FÁCIL ENCONTRAR BUENOS LUGARES PARA PRACTICAR SKATE DURANTE LA COVID-19?
La verdad es que la pandemia en sí no ha tenido un gran efecto sobre donde patinamos, pero se está volviendo más difícil practicar skate en la calle a causa de las Olimpiadas.
NOS HEMOS PERCATADO DE QUE A MENUDO GRABAS A TRAVÉS DEL PLEXIGLÁS. ¿TIENES LA SENSACIÓN DE QUE TE HA OFRECIDO UNA NUEVA PERSPECTIVA DESDE LA CUAL CAPTURAR TRUCOS?
Asocio el skate con la libertad, por lo que creo que podemos pasárnoslo muy bien con muchas ideas diferentes.
¿HAY ALGO ESPECÍFICO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE INSPIRE O TE INTERESE PARTICULARMENTE?
Durante la pandemia, se han popularizado los concursos y los vídeos en línea, así como que te valoren. Gracias a esto, la gente puede hacer más vídeos con amigos, lo que a su vez nos ayuda a construir amistades más sólidas. También me inspira la gente que hace lo mismo que yo.
¿TIENES ALGÚN CONSEJO PARA LOS JÓVENES Y ASPIRANTES A CINEASTAS?
No es importante a quién grabas; no importa si es un skater profesional o famoso, ni si tienes una cámara con muchas especificaciones. Puedes grabar a cualquier skater con cualquier cámara. Es más importante que la relación entre el cámara y el skater sea buena, ya que es lo que hará que el vídeo sea mucho mejor. ¿De verdad quieres grabar a skaters? Los skaters quieren que les grabes. En tiempos difíciles, podemos apoyarnos mutuamente, y creo que grabar con esto en mente hace que salgan vídeos de skate realmente divertidos.
Deaton Chris Anthony, también conocido como DCA, es un músico, artista y diseñador de moda de Los Ángeles. Como alguien que siente constantemente la necesidad de crear, a menudo puede encontrarse a Deaton Chris Anthony captando sonidos para su música, cosiendo nuevas prendas para su colección de sudaderas o creando alfombras únicas (o como las él llama, «wugs»). Creció jugando a los bolos, y el año pasado redescubrió su pasión por este deporte. En su estilo habitual de combinar elementos inesperados, decidió crear para este proyecto un nuevo tema a partir de sonidos captados en la bolera.
¿PUEDES HABLARNOS UN POCO SOBRE TI Y SOBRE CUÁNTO TIEMPO HAS ESTADO HACIENDO MÚSICA?
Hola a todos, soy Deaton Chris Anthony. Me han contado que cuando era niño me tenían que esconder los lápices de colores porque tan pronto como encontraba uno, iba directo a hacer garabatos en las paredes. Nada ha cambiado desde entonces, salvo que no hay nada escondido y mis lápices de colores ahora son la música, la ropa y los bolos.
SE NOTA QUE DISFRUTAS MUCHO EXPERIMENTANDO CON DIFERENTES SONIDOS E INTRUMENTOS. ¿QUÉ ES LO QUE MÁS TE ATRAE DE ELLO?
Como buen estudiante de Internet, encuentro muy interesante mi capacidad de consumir todo el espectro de sonido de manera instantánea. La World Wide Web me ha dado esta perspectiva, y creo que la nueva era de la música de hoy en día es nostalgia.
HÁBLANOS UN POCO SOBRE TU PASIÓN POR LOS BOLOS. ¿RECUERDAS TU MEJOR PUNTUACIÓN?
Hola, 2021. El año que juego a bolos. He practicado este deporte desde que tengo uso de razón. Cuando tenía 12 años, obtuve la mejor puntuación de mi pueblo natal. Mi puntuación más alta son 300 puntos, y un día obtendré esa misma puntuación jugando a bolos en la televisión nacional.
PERO LA MÚSICA NO ES TU ÚNICA PASIÓN. ¿CUÁLES SON LAS OTRAS MODALIDADES ARTÍSTICAS QUE MÁS DISFRUTAS HACIENDO?
Cuando diseño ropa, mi inspiración proviene de la música. Cuando creo música, la perspectiva me viene de la ropa. No me interesa hacer música ni ropa perfectas. Me interesa un equilibrio perfecto entre ambas.
¿TIENES ALGÚN CONSEJO PARA LOS JÓVENES Y ASPIRANTES A ARTISTAS?
Resuelve un problema en tu arte. Nunca me ha fallado. Mis mejores ideas han surgido de desmontar algo para volver a unirlo.
IDLES es una banda londinense que se distingue por su música apasionada a la par que oscuramente cómica. En un panorama musical que se ha vuelto demasiado seguro y desinfectado, IDLES se alza como el salmón que nada contra corriente. Han recibido diversos premios y encabezado giras por todo el mundo cuyas entradas se han agotado. Para este proyecto, el cantante de IDLES, Joe Talbot, presenta un monólogo titulado «En defensa de las artes».
¿HAY ALGÚN PARECIDO O PARALELISMO ENTRE ESCRIBIR UNAS PALABRAS PARA SER HABLADAS Y ESCRIBIR CANCIONES?
La principal diferencia con la escritura de canciones es la cadencia. Yo escucho la música tantas veces como sea necesario para que me lleve hacia un ritmo, y luego la canción se escribe sola. Con cualquier otro tipo de escritura, como la poesía, intento liberarme de la forma y simplemente escribir. Luego repaso lo que he escrito y voy directo al grano para que el tema siempre sea lo que quiero que el lector sienta.
¿QUÉ CREES QUE TIENE EL ARTE QUE ES TAN IMPORTANTE APOYAR, PRESERVAR Y PROTEGER?
El arte es el camino hacia el empoderamiento del individuo para sentirse parte del mundo, y eso es imperativo en el propósito de todos, independientemente de lo creativos que creamos ser. Todo el mundo es capaz de crear belleza.
¿HAY ALGO ESPECÍFICO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE INSPIRE O TE INTERESE PARTICULARMENTE?
Creo que desde que empezó el confinamiento he usado la reflexión como clave para mi creatividad. En lugar de simplemente seguir adelante con mi arte, me he detenido a respirar y a apreciar la suerte que tengo y los traumas que me han llevado hasta aquí.
Connor Insula ha estado haciendo collages durante casi cuatro años y no tiene pensado dejar de hacerlo en un futuro próximo. Como artista del sureste de Londres, no crea arte pensando en el dinero, sino porque le sale del alma. En ocasiones le resulta más sencillo expresarse a través del arte en lugar de las palabras. Originalmente realizaba sus collages sobre tablas, pero con el tiempo trasladó su obra a cartones, azulejos y madera. Para este proyecto, ha creado una estantería interactiva.
¿PUEDES CONTARNOS ALGUNA COSA MÁS SOBRE TU LESIÓN Y POR QUÉ TE INSPIRÓ A EMPEZAR «RADIUS»?
Era el principio del verano y estábamos en el parque Crystal Palace. Estaba practicando un truco nuevo y pasándomelo bien con los colegas. De repente, me resbalé en una esquina de la rampa y caí. Todo el impacto recayó sobre mi muñeca izquierda. Después de la operación, que implicaba agujerear el hueso del radio e introducir tornillos para aguantarlo, estaba exhausto. También estaba un poco de bajón, porque justo estaba empezando a cogerle el tranquillo a la tabla. Pensé en cómo podía animarme y decidí hacer un collage en un trozo de madera que tenía por ahí con unas cuantas revistas de Thrasher. Haber descubierto una nueva habilidad me asombró mucho y me hizo sentir genial. A partir de ese momento, nunca volví a mirar atrás y pensé que el nombre de «Radius» era apropiado. Ya hace tres años que «Radius» existe, y estoy orgulloso de todo lo que hemos conseguido, pero sé que esto es solo el principio.
¿HAY ALGO SOBRE LOS HUESOS O LA ESTRUCTURA ESQUELÉTICA QUE TE HAGA ENFOCAR TU TRABAJO HACIA DICHOS ELEMENTOS?
Cuando era pequeño siempre me intrigaron los esqueletos que había en las aulas de biología. Sentía curiosidad por lo que se esconde bajo la superficie. A menudo olvidamos lo complejos que son nuestros cuerpos. Siempre he disfrutado cuando me hacían una radiografía, pues me he fracturado o roto cuatro huesos en total (la clavícula, el dedo, la espinilla y la muñeca). No soy un novato en esto. Pero mi muñeca fue la peor de todas. Aunque en el fondo fue un regalo disfrazado, porque me permitió conectar con mis jugos artísticos.
¿QUÉ TE INSPIRÓ A CREAR LA ESTANTERÍA, Y QUÉ TIPO DE ELEMENTOS CREATIVOS QUIERES EXHIBIR?
Quería crear una escultura interactiva que fuera funcional, a la vez que mantenía el tema de las radiografías del radio. Siempre había querido trabajar con molde de escayola y jesmonite, así que los incorporé al diseño. Los huesos de jesmonite imitan los huesos del cúbito y el radio que tenemos en la muñeca. La caja de luz se utilizará para mostrar los últimos anuncios y publicaciones. Las tarjetas telefónicas estarán ahí para que la gente dibuje algo y saque su lado creativo. Más tarde, se usarán en una revista. Si eres del Reino Unido, seguro que conoces los antiguos puestos de color azul de lotería nacional. Eso fue lo que inspiró el lado funcional del proyecto; la exhibición con los últimos números, las estanterías y las curvas.
¿DÓNDE CREES QUE ACABARÁ ESTA ESCULTURA?
Ya hace dos años que hice una exposición en Londres, así que estaría genial poder mostrar todas mis obras nuevas y dar a esta escultura una buena recepción. Después de esto, vivirá en la tienda Bankrupt en Shoreditch. Pero estaría bien que pudiera pasar una vacaciones en la tienda Vans.
HAS COLABORADO MUY DE CERCA CON UN CREADOR DE ACCESORIOS PARA DAR VIDA A LA ESTANTERÍA. ¿ES ALGO QUE HAYAS HECHO A MENUDO EN EL PASADO O QUE TE GUSTARÍA HACER MÁS?
Cuando se trata de crear arte, normalmente conduzco solo, pero trabajar con Jake Haynes fue genial. Jake trabaja en los teatros como creador de accesorios y construye prácticamente cualquier cosa. Es un verdadero profesional y literalmente dio vida a mis diseños. Como tiene experiencia en el mundo del skate, Jake tenía la mente perfecta para el trabajo, así como las herramientas necesarias. A menudo trabajo con mis amigos, pero la última vez que colaboré con alguien fue para hacer las zapatillas Radius x Depop x Vans, que dieron un resultado increíble y son uno de los logros que más me enorgullece.
Alex Knost, artista, músico y surfista, lleva más de una década experimentando en la subcultura del surf a través de diversos medios artísticos. Al igual que sus técnicas imaginativas y excéntricas, las obras de Knost desafían las relaciones entre textura y color al tiempo que rompen el regimiento de las formas artísticas. Para este proyecto ha creado una película sobre el surf y la exploración de los sonidos disonantes.
¿PUEDES DARNOS UN POCO MÁS DE CONTEXTO SOBRE EL TÍTULO DE LA PELÍCULA?
«La bolsa reutilizable» empezó siendo el título de un cuadro y se extendió hasta el ballet y el jazz de improvisación, para hacer honor a los patos de Costa Rica.
PARECE QUE TIENES UNA COLECCIÓN BASTANTE ECLÉCTICA DE INSTRUMENTOS. ¿TIENES ALGÚN FAVORITO?
Soy guitarrista. A Kassia se la ve y escucha tocando un gong y cuencos afinados de manera independiente. Esta banda sonora es una colaboración entre sus «baños de sonido» y mi curiosidad por explorar el ruido, los zumbidos y la disonancia en la guitarra eléctrica.
¿CUÁL FUE EL PROCESO DE PENSAMIENTO O LA INSPIRACIÓN DETRÁS DE LA MÚSICA DE LA PELÍCULA?
La colaboración improvisada junto con los sonidos reverberados de la jungla.
¿ENCUENTRAS MUCHOS PARALELISMOS ENTRE EL SURF Y LA CREACIÓN DE MÚSICA?
Sí los veo en la manera como se practican, pero no en cómo se recrean. Son reaccionarios e instantáneos, no hay un sonido de olas igual a otro.
¿HAY ALGO ESPECÍFICO DE LA CULTURA CREATIVA ACTUAL QUE TE INSPIRE O TE INTERESE PARTICULARMENTE?
Desde luego.
¿TIENES ALGÚN CONSEJO PARA LOS JÓVENES Y ASPIRANTES A ARTISTAS?
Seguid adelante y quizás echadle un vistazo al libro «How to be an artist» («Cómo ser un artista») de Jerry Saltz.
May Kim, también conocida como Gucci May, es una artista multidisciplinar de Los Ángeles, California. Inspirándose frecuentemente en las personas que conoce y las conversaciones que mantiene, canaliza estos encuentros en obras de arte digital. La artista, que se describe como una persona tímida por naturaleza, utiliza su obra para extender su personalidad y sus ideas más allá de las palabras. Para este proyecto, ha creado una colección de animaciones en un cortometraje.
¿CUÁNTO HACE QUE CREAS ARTE EN 3D? ¿RECIBISTE ALGUNA FORMACIÓN O HAS APRENDIDO POR TU CUENTA?
Empecé a trabajar con programas 3D en 2018 para un proyecto editorial de moda con un escáner 3D de Dazed & Confused Korea. Por suerte tuve tiempo de aprender sobre herramientas 3D en YouTube, por lo que he hecho la mayoría de proyectos sola, sin ninguna formación profesional.
¿HAY ALGUNA HERRAMIENTA, PROCESO O PROGRAMA ESPECÍFICOS QUE USES PARA CREAR TUS OBRAS?
Suelo utilizar Cinema 4D con Octane Renderer, pues me parecen los más fáciles de usar. A veces trabajo con otros artistas que usan Blender, que es útil para hacer animación con simulación.
¿QUÉ TE SIRVE DE INSPIRACIÓN A LA HORA DE CREAR UNA NUEVA OBRA?
Personalmente me entusiasma la cultura de los memes. Hace tiempo que corren por ahí, pero encuentro muy interesante que los milenials y la generación Z hablen de intensos temas sociopolíticos mediante imágenes divertidas y sencillas. Mis historias personales me llevan a trabajar en obras nuevas. Quiero que la gente vea mi trabajo y reflexione sobre ellos mismos.
¿CUÁNTO SUELES TARDAR EN CREAR UNA ANIMACIÓN?
El trabajo gráfico me puede llevar unos pocos días o algunos meses, en función de lo complejo que sea el diseño.
¿TIENES ALGÚN CONSEJO PARA LOS JÓVENES Y ASPIRANTES A ARTISTAS?
Les aconsejaría que no se preocuparan de lo que la otra gente piense. Cuando empecé mi práctica artística, me importaba demasiado todo lo que los demás tenían que decir al respecto. Les recomendaría que se impliquen más y que digan lo que tengan que decir a través de sus obras.
Maomao es un director independiente y un fotógrafo de Vans que vive en Shanghái, China. Aunque aprecia lo analógico, prefiere grabar una película siempre que puede. Para este proyecto, ha creado un cortometraje a modo de guía práctica para los videógrafos del skate.
¿EN QUÉ TE INSPIRASTE PARA CREAR UNA GUÍA PRÁCTICA EN VÍDEO?
Aunque el vídeo pueda parecer una guía práctica, en realidad es la voz interior de un fotógrafo de skate. El skate se convertido en un deporte único y atractivo, pero no sin los fotógrafos en segundo plano prestando atención. Este deporte parece fácil y elegante, pero de hecho, tanto los skaters como los fotógrafos lo han pulido con el tiempo. Como fotógrafo, puedo entender lo difícil que es, a la vez que divertido. Así que voy a utilizar esta guía práctica para mostrar los momentos que he pasado con skaters y lo que sucede en mi interior.
PARECE QUE HAY MUCHAS ANÉCDOTAS SURGIDAS DE GRABAR A TUS AMIGOS PRACTICANDO SKATE. ¿HAY ALGUNA HISTORIA PARTICULARMENTE ALOCADA O DIVERTIDA?
Lo que encuentro más interesante es que cada vez que grabo una acción, todo el mundo sabe que los patinadores deben calentar para poder rendir al máximo. Pero lo cierto es que los fotógrafos también necesitamos calentar y probar diferentes ángulos para encontrar la combinación perfecta de los movimientos del skater. La motivación de intentarlo una y otra vez nace precisamente del deseo de encontrar el mejor ángulo del skater.
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Estamos ayudando a artistas a convertir su creatividad en una realidad. Ahora le toca a la Vans Family hacer algo diferente. Puede ser un mural, un vídeo musical, una animación, un tocadiscos de cerámica para comunicarse con extraterrestres… ¡tú decides!
Envíanos tu idea de proyecto para tener la oportunidad de participar. Es muy fácil:
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